Das erste Album seit einem Jahrzehnt – das wäre für die meisten Künstler vermutlich beängstigend. Nicht so für Jazzanova. Denn der ständige Zustand des Werdens ist quasi DNA dieses außergewöhnlichen Ensembles. Vom ersten Moment an, als sich das Kollektiv 1995 als DJ-Gruppe gründete, gab es keine Blaupause für das, was Jazzanova einmal sein sollte. Und in jeder Phase der Entwicklung hat sich die Gruppe ein Stück weit wieder neu erfunden. Jazzanova hat sich nie an eine bestimmte Szene oder einen bestimmten Sound gehalten, hat nie eine bestimmte Technik oder ein bestimmtes Format verfolgt. Sondern war ein DJ-Kollektiv, ein Produktions-Gespann, ein Remix-Team, Radio-Host und -Moderator, Labelbesitzer und Kurator. Stets mit einem Fuß in der Clubkultur und mit dem anderen in der Live-Arena: dem Ort, an dem Jazzanova in den letzten zehn Jahren am aktivsten war. All diese kreativen Strömungen sprudelten in den letzten zwei Jahrzehnten unentwegt – und fließen nun auf ganz natürliche Weise in die musikalischen Verästelungen von The Pool, ihrem bisher reifsten und faszinierendsten Album.

Als sich das Team um Alex Barck, Claas Brieler, Axel Reinemer, Jürgen von Knoblauch und Stefan Leisering zum ersten Mal traf, waren sie alle tief in einer Clubszene verwurzelt, die sich – wie Stefan es ausdrückt – um „Funk, Jazz, Disco, Latin…. alles Mögliche – aber meist um alte Platten“ drehte. Ihr erster Anstoß, zusammen ins Studio zu gehen, war einfach „etwas Neues zu haben, um in DJ-Sets zusammen die alten Sachen zu spielen“. Es dauerte eine Weile, bis sie Fuß gefasst hatten. Aber als „Fedime’s Flight“, ihre selbstveröffentlichte Mischung aus brasilianischem Shuffle und kosmischen Soul-Akkorden, 1997 unter DJs in Umlauf kam, beschleunigte sich der Erfolg plötzlich rasant. Zusammen mit Michael Reinboth’s Compost Label aus München – damals bereits fest etabliert und mit seinen Future Sound of Jazz Compilations international sehr erfolgreich – gründeten sie JCR (Jazzanova Compost Records) und begannen 1998 mit zwei Jazzanova EPs ihre rege musikalische Aktivität.

„Die ersten vier oder fünf Jahre (nach unserer ersten Platte) waren super intensiv“, sagt Stefan. Das ist keine Übertreibung: Das Jazzanova Kollektiv war schnell auf der ganzen Welt gefragt und verband sich mit unterschiedlichen Musik-Szenen von Kyoto bis Philadelphia. Ständig im Studio, remixend und produzierend, bauten sie Verbindungen zu anderen Musikern auf. Dabei streiften sie mühelos Richtungen wie Neo-Soul, gebrochenen Beat, Nu Jazz, Deep House und viele andere Sounds. So konnten sie mit dem Philly-Rapper Capitol A genauso gut arbeiten wie mit den europäischen House-Helden Dixon und Âme. Dies alles führte 2002 zu ihrem Debütalbum In Between – einer glorreichen Mischung aus radikalen Experimenten und klassizistischen Klängen, mit einem beachtlichen Kreis an Gast-Sängern und Instrumentalisten. Für andere wäre das erste Album das zentrale Ding. Für die Jungs von Jazzanova war es nur ein weiteres Element neben Remixen, Kuratoren-Tätigkeiten, DJing und den zunehmend elaborierten Schritten, ihre Kompositionen auch live vor Publikum anspruchsvoll zu präsentieren.

Genau hier zeigt sich die ganze Brillanz des Jazzanova-Modells. Anstatt zwischen all den individuellen Verpflichtungen etwas Chaotisches und Unkontrollierbares zu produzieren, führte es bei ihnen zu einer ungewöhnlich nachhaltigen Arbeitsweise: Wo klassische Bands auf den Album-Tour-Album-Tour-Zyklus angewiesen sind, um in den Medien sichtbar zu bleiben, war bei Jazzanova für die Fans immer etwas dabei: Ob beim Komponieren für moderne Tanzshows, Kompilieren aus dem legendären Blue Note Jazz-Archiv oder dem Betrieb der JCR- und Sonar Kollektiv-Labels. Tatsächlich waren selbst die Vertriebsprobleme, welche die Verbreitung ihres Of All The Things-Album von 2008 erschwerten, kein Drama für das umtriebige Multi-Task-Ensemble. So dass Stefan dazu heute halb im Scherz sagt: „Manchmal frage ich mich, ob die Leute überhaupt wissen, dass wir ein zweites Album gemacht haben!“ Alles kein Problem für die Jungs: Denn wieder war das Album nur ein Puzzlestück im universellen Jazzanova-Gesamtwerk.

Und so vergingen die zehn Jahre zwischen Of All The Things und The Pool schnell. Jazzanova wurde nie langsamer, sie hörten nie auf, Verbindungen zu unterschiedlichen Musik-Szenen, Musikern und Fans aufzubauen. Sie hörten nie auf, sich musikalisch weiter zu entwickeln – auch wenn sich die meisten Mitglieder von Jazzanova parallel immerhin Zeit genommen haben, Familien zu gründen. Die Musik entwickelte sich daneben konstant weiter, wie der Strom des Lebens selbst. Die 2010er Jahre wurden vor allem damit verbracht, die Welt zu bereisen, die Live-Sets von Jazzanova beschallten viele Festivals und Arenen. „Keiner von uns war ausgebildeter Musiker“, sagt Stefan, „also war alles, was wir taten, eine Lernerfahrung.“ Und der Lernfortschritt vollzog sich in einem atemberaubenden Tempo: Schon die ersten 12″-Veröffentlichungen hatten eine bemerkenswerte Raffinesse, obwohl sie von reinem Instinkt getrieben waren – einem Instinkt für das, was auf einem Dancefloor funktioniert. So ist 20 Jahre nach den ersten Maxis die verdichtete Menge an musikalischer Erfahrung dieses Kollektivs enorm, weil sie Spiegelbild einer konstanten Auseinandersetzung, eines stetiges Eintauchens in den Klang über viele Jahre hinweg reflektiert.

Das alles bringt uns zu The Pool – dem mit Abstand komplettesten Album von Jazzanova bislang. „Es gibt viele Einflüsse, die sich ähneln“ , sagt Stefan. „Die Art und Weise, wie wir das Sampling auf eine bestimmte Weise einsetzen, die Art, wie wir Instrumente im Studio spielen, gibt ihm einen sehr homogenen Klang.“ In der Tat: Die Kombination aus zehntausenden von Stunden Erfahrung auf der Live-Bühne, im Studio, im Radio und im Club haben den Jazzanova-Jungs ein unverwechselbares Selbstvertrauen gegeben, eine Solidität bei allem, was sie für ihre Aufnahmen einsetzen, die man in jedem Beat und jeder Note hören kann. Man hört auch, dass es sich hier um eine „erwachsene“ Platte handelt: von Rhythmus zu Rhythmus, von Stil zu Stil ist viel weniger zu hören, als bei den ersten Aufnahmen – alles dreht sich um die Logik des einzelnen Songs. Doch zugleich gibt es auch schillernde Farben, die sich von Minute zu Minute verschieben. Wie immer gibt es auch wieder eine beeindruckende Auswahl an Kollaborateuren – und jeder Sänger oder Rapper bringt seine ganz eigene Note in das Werk ein.

The Pool entstand durch ständiges Herumspielen mit Samples. Stefan erinnert sich, wie er mit zehn Trackskizzen anfing, von denen nur ein paar wenige letztlich auch Songs wurden. „Aber das ist der beste Weg – wir machen lieber, als zu diskutieren und zu planen“. Wie immer ist es die Vielseitigkeit von Jazzanova, die dabei alles zusammenhält. Und wie immer bleiben die Jungs umtriebig: Dieses Album wird natürlich weitere Shows, weitere Remixe, weitere Musiker-Connections generieren. Aber es erzeugt auch den Drang, noch mehr neue eigene Musik zu schaffen. Zurück im Studio wurde den fünf Musikern deutlich, dass der kollektive kreative Funke beim Produzieren genauso stark war wie auf der Bühne oder in den unzähligen Nebenprojekten – so dass man wohl nicht davon ausgehen muss, dass es nun wieder ein Jahrzehnt dauert bis zum nächsten Album. Dies ist definitiv der Beginn eines neuen Kapitels in der faszinierenden Geschichte von Jazzanova. Es gibt immer noch keine Vorlage für das, was sie sind oder in Zukunft sein werden. Sie erfinden immer noch die Regeln mit großer Freude immer wieder neu. Und genau das ist es, was ihre Musik so wundervoll macht.

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„Sauna?“
„Sauna.“

Seit Marco Kleebauer und Sophie Lindinger entschieden haben, wie sie ihr neues Album nennen werden, wiederholt sich dieser kleine Dialog mit erstaunlicher Beständigkeit. Dabei sind die beiden keineswegs leidenschaftliche Schwitzgenossen oder Aufgussprofis – die beiden hatten etwas ganz anderes im Sinn: Die Sauna als Ort der Zusammenkunft, ohne soziale Schranken, wo die Nacktheit aller auch eine ultimative Gleichheit schafft. Ein Melting Pot – nicht zuletzt der damit verbundenen Temperaturen wegen. Und nichts symbolisiert all das besser, als der im Artwork allgegenwärtige Regenbogen – der noch dazu die Buntheit und Diversität darstellt, die Leyya auch ihrer Musik als Stempel mitgeben. „Saunasoll die Platte sein, bei der du die Farben raushörst.“, sagen sie.

Die thematische Hitze steckt teils sogar in den Titeln des Albums („Heat“), den Schweiß hört man gerade bei Stücken wie „Oh Wow“ geradezu tropfen. Die vertrackte Elektronik und Melancholie früherer Stücke wurde richtiggehend herausgeschwitzt. So sehr die Stücke auf „Sauna“ mit Fiepen, Blubbern, Quietschen und gelegentlichem aus dem Rhythmus fallen gegen jede Konvention verstoßen, so sehr schreit die Platte in ihren grell leuchtenden Farben „Pop!“ – und der war lange nicht so spannend wie hier.

Dass Leyya nicht auf ausgetretenen Pfaden spazieren zu gedenken, haben schon die Stücke gezeigt, die seit dem Erfolg des Debüts „Spanish Disco“ (2015) veröffentlicht wurden. Der unwiderstehlich hämmernde Beat von „Butter“, die Leichtigkeit und Verspieltheit von „Zoo“, der vertrackte Reggae-Rhythmus von „Oh Wow“. Die Vielfältigkeit und Buntheit ist Prinzip – und hat als Regenbogen sogar den Sprung auf das Albumcover geschafft. Und es zeigt, dass Leyya nach dem Erfolg von „Superego“ keineswegs Lust hatte, eine Eintagsfliege zu bleiben.

Leyya hatten 2015 praktisch aus dem Nichts zu einem bemerkenswerten Erfolgslauf angesetzt. „Superego“ war der Anlassfall, der seither mehrere Millionen Spotify-Plays, Radioeinsätze und TV- und Werbeverwertungen auf der ganzen Welt nach sich zog. Die Band erhielt 2017 den prestigeträchtigen „FM4 Award“ bei den Amadeus Austrian Music Awards, erspielte sich auf den großen Festivals Publikum und Schlagzeilen. Die Liste prominenter Auftritte – Primavera, Iceland Airwaves, Reeperbahn Festival, Sziget – sie wurde seither beeindruckend lang.

Wiewohl der damit fast klischeehafte Druck des vielfach herbeizitierten „schwierigen zweiten Albums“ auch beim Komponieren ein Thema war: Einschüchtern haben sich Marco Kleebauer und Sophie Lindinger davon nicht lassen. Im Gegenteil: „Sauna“ ist ein Album, das elegant den Spagat zwischen modernem Pop, nerdigen Effekten und originellen Instrumentierungen findet, als wäre es die leichteste Fingerübung der Welt.

Das Duo hat sich bei all dem entstandenen Tamtam seine Verspieltheit erhalten. Sophie Lindinger und Marco Kleebauer sprechen vom „Innovationsfaktor Naivität“: „Wir möchten nicht immer dasselbe machen. Und wir haben durchaus den Anspruch, auch Inspirationsquelle für andere zu sein.“ Hört man sich in der in den letzten Jahren aufblühenden Musikstadt Wien um, so ist das keineswegs zu hoch gegriffen. Kleebauer produzierte bereits zwischendurch für seine Nebenprojekte Ant Antic und Karma Art sowie für Newcomer wie Naked Cameo oder zuletzt Oehl. Dass größere Namen anklopfen, scheint nur noch eine Frage der Zeit. Sophie Lindinger lieh ihre markante Stimme samt Texten etwa dem erfolgreichen Elektroniktüftler MOTSA.

„Wir haben einfach blöde Ideen konsequenter umgesetzt“, sagt Marco Kleebauer – und bringt damit auf den Punkt, dass der Überraschungseffekt als Konzept in der sonst so perfekt durchgestylten Popwelt nicht nur ein legitimes, sondern auch ein durchaus sinnvolles Konstrukt sein kann.

Nach der Blütezeit der Indie-Rock-Kapellen der 00er-Jahre und dem Aufkommen der DJ- und Producer-Projekte danach fand man es außerdem höchste Zeit, das Bandformat wieder zu rehabilitiere und neu zu erfinden. Bei aller Producer-Mentalität ist Leyya sowohl im Studio als auch Live (als Quartett) eigentlich ein Band-Projekt. Jeder ein Multi-Instrumentalist, jeder setzt Samples ein wie ein Spielzeug, das man am Weihnachtsabend nach allen Facetten der Kunst ausprobiert wird. Vielleicht kommt daher die geradezu kindliche Spielfreude und das fast spürbare Glitzern in den Augen (und Ohren).

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Nach dem Debütalbum We Colour The Night (2013) und der EP SKIN (2016) ist im Oktober 2017 FAREWELL DEAR GHOST’s zweites Album NEON NATURE erschienen. Farewell Dear Ghost lehnen sich mit großer Geste aus dem Fenster und sind sich dabei nicht zu schade, wichtige Fragen zu stellen. Der Indie-Background darf aber auch glitzernd nach Pop schmecken, auch wenn der Grat schmal wird. Gerade bei den zahllosen Live-Auftritten der letzten Jahre hat der österreichische Vierer bewiesen: Dieser Tanz auf der Rasierklinge kann gelingen.
„Neon Nature“ hat dazu das reichlich strapazierte Klischee des „schwierigen zweiten Albums“ zu bekämpfen. Und in der Tat ist viel passiert, seit 2013 das Debüt „We Colour The Night“ erschienen ist. Philipp Szalay, Philipp Prückl, Alex Hackl und Andreas Födinger beweisen auch mit dem aktuellen Album NEON NATURE Stilsicherheit, eingebettet zwischen wohldosiertem Pathos, Indie und Pop.

„Fire“ (vom Debütalbum „We Colour The Night“) und „We Were Wild Once“ (von der 2016 veröffentlichten EP „Skin“) fanden ihren Weg auf Platz 1 der FM4-Charts und in zahlreiche Playlisten internationaler Radiostationen, knackten die Millionengrenze beim Streaming-Krösus Spotify. Bands wie Nada Surf, The Naked and Famous oder The Jezabels wurden kreuz und quer durch Europa auf den Bühnen begleitet; selbständig tourte die Band neben Gastspielen in Istanbul oder Tel Aviv bis nach China (wohin sie im Oktober zurückkehrt) und bespielte Showcasefestivals wie den mittlerweile allseits bekannt gewordenen Vorreiter Eurosonic im niederländischen Groningen. Im September ergänzen das Reeperbahn Festival in Hamburg und das Zandari Festa im koreanischen Seoul diese Liste.

Gekrönt wurde die Veröffentlichung des Albums durch den Gewinn des radio fm4 Amadeus Awards 2018, einem der begehrtesten Musikpreise des Landes, und einen Live-Auftritt bei der Verleihung im April 2018.

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Bereits im frühen Kindesalter begannen die beiden Brüder Coverhits sowie eigene Songs auf YouTube zu veröffentlichen. Der Bekanntheitsgrad der Band wurde durch erste Radioairplays mit den Singles Singles „Es fühlt sich wie Fliegen an“, „Momente“, sowie der Hit-Single „Wunder“ gesteigert.
Am 09. September 2017 folgte Zweikanaltons bisher bekanntester Release; Zukunfts- Ich, der schnell zum Selbstläufer wurde. In kürzester Zeit erhielt der Song Airplay in Österreichs größten Radiostationen und mediale Beachtung in TV und Print. Mit ihrem außergewöhnlichen Video erreichten die beiden Brüder schnell YouTube Views und bewiesen ihr Talent auch live beim Ö3- Weihnachtswunder – Österreichs größter Radiostation. Live stehen die Brüder von Zweikanalton auf der Bühne vor Musikgrößen wie Andreas Gabalier oder Seiler und Speer.

Im März 2018 wurde den Brüdern von Zweikanalton der STEIGER AWARD in der Kategorie „Nachwuchs“ in Deutschland verliehen, den unter anderem schon Künstler wie Tim Bendzko, Tokio Hotel oder US 5 entgegen nehmen durften. Im gleichen Monat schafften die Beiden es ins Finale des Lautstark!-Musikcontests in Oberösterreich.

Die Musiker begeistern ihre Fan-Gemeinde mit anspruchsvollen deutschen Texten und schafften es so ins Vorprogramm von Andreas Gabalier. Vor einem ausverkauften Publikum von 10.000 Besuchern überzeugten die Beiden bei der Winterparty in Seefeld, Tirol mit ihren Songs. Mit ihrer aktuellen Single „Ohne Dich Kann Das Kein Sommer Sein“ erobern sie sich derzeit im Sturm eine Fan- Gemeinde, die bereits über die österreichischen Grenzen hinaus geht.

Mit ihren gefühlvollen und nachdenklichen Songtexten erreicht Zweikanalton Fans bei über 60 Auftritten im Jahr weit über die österreichischen Grenzen hinaus.

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Ogris Debris zählen zu Österreichs einzigartigsten Elektronik-Acts und konnten

mit ihren energetischen Live-Shows bereits das Publikum in Clubs von Paris bis Tokyo in ihren Bann ziehen. Ihre Tracks werden von Magazinen und Radiostatio- nen wie Radio FM4 oder BBC (Gilles Peterson), Groove, Dummy, u.a. gefeiert und gefeatured. Mit ihrem Hit „Miezekatze“ konnten sie Fans jeglicher Genre-Himmelsrichtungen für sich gewinnen. Über die Jahre hat das Duo etliche 12“ auf ihrem Homelabel Affine Records veröffentlicht, mit den Round Table Knights zusammengearbeitet oder Remixes für Dorian Concept, Richard Dorfmeister’s Tosca, UK Disco Maestro Joey Negro oder Brownswood Recordings’ Zara McFarlane an- gefertigt. Weiters veröffentlichten sie unter anderem bei Compost Records, dem Grazer Undergroundlabel Disko404und auf dem legendären New Yorker House Label Nervous Records.

Ogris Debris werden oft mit Acts wie Nôze oder dOP verglichen, aber die Musiker selbst gehen viel weiter wenn es um ihre Inspirationsquellen geht und nennen Acts wie Frank Zappa, Pharrell Williams, Queen, DJ Koze, Jamie Lidell, Matthew Herbert, Modeselektor, Four Tet oder Brian Wilson (The Beach Boys).

Das Debütalbum („Constant Spring“) des renommierten Elektronik-Duos Ogris Debris ist Ende April 2016 erschienen. Auf „Constant Spring“ schaffen sie mühelos den dreibeinigen Spagat zwischen druckvollem House, elektronischem Pop und verspielter Musikalität.

Der Name ist Programm: immerwährende Frühlingsgefühle, konstante Euphorie und Aufbruchsstimmung hinterlassen einen bleibenden Eindruck und verführen zum Endlos-Repeat. Die 12 vielschichtigen Tracks speisen den Hörer aber nicht mit plumpem Dance-Hedonismus ab, sondern laden in eine Welt voller Zweideutigkeiten und Tiefgang ein.

Bereits der Opener „Giant Stabs“ ist eine waschechte House-Hymne, die mit wuchtigen Akzenten das Tempo vorgibt. Dieses wird von unwiderstehlichen Klavierakkorden in Tracks wie „Racer“ oder „April Fool“ bis hin zu dem treibenden Synth-Techno von „Midnight“ weitergetragen. Dazwischen finden sich bezaubernde Dancefloor-Pop-Hits wie „Brainfreeze“ oder „Beyond The Wall“, sowie der sommerliche Piano-Stomper „Lazer Gun“ und der zuckersüsse Abschlusstrack „Sometimes“.

Aber auch der rumpelige Funk der erfolgreichen Single „See The World“ oder das in Acid-Sounds getränkte „Lie Cheat Steal“ haben hier Platz und zeigen die beeindruckende Bandbreite des Albums auf. Abgerundet wird die blühende Vielfalt vom lautmalerischen Groove des zeitlosen Clubhits „My Miezekatze“ in einer Neubearbeitung und den dubbigen Akkorden und rollenden Beats von „Nebula“.

Wie ihre Labelkollegen Dorian Concept oder Cid Rim sind Ogris Debris nie um eingängige Melodien verlegen, die eingerahmt von anspruchsvollen Harmonien und individuellem Sounddesign eine präzise und eigenständige Ästhetik erzeugen. Alleinstellungsmerkmal ist auch der einfallsreiche Umgang mit Stimmen, Sampling und Synthese. Sie umgarnen die Zuhörer mit Hooklines, gewieften poetischen Texten und bringen gleichzeitig den Dancefloor mit ausgetüftelten Beats zum Kochen.

Mit „Constant Spring“ setzen Ogris Debris nun zum ganz großen Sprung
an. Sommer, Herbst und Winter können einpacken, denn 2016 ist das Jahr des im- merwährenden Frühlings. An „Constant Spring“ führt kein Weg vorbei!

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Dass LYLIT die Tür von Emotion zu Ausdruck gerne offen lässt, ist kein Geheimnis. Sie ist Sängerin und Komponistin.
Ihre Musik verschafft sich Gehör, drängt sich auf und lässt sich nicht in den Alltagslärm integrieren. Stark in Wort und Performance sind LYLITs Können und Virtuosität nur Wegbereiter zu Innerlichkeit und Verletzlichkeit; ummantelt von einer Intensität, der man sich nicht entziehen kann.
Vor einigen Jahren von Motowns ehemaligem CEO Kedar Massenburg (Erykah Badu, D’Angelo, India.Arie, etc) unter Vertrag genommen, folgten 2 EPs, iTunes Single Of The Week in den USA und zahlreiche Tourneen durch Europa.
Mit ihrer aktuellen EP „AURORA“ definiert sich LYLIT neu. Emanzipiert vom Diktat des Marktes geht sie ihren ganz eigenen Weg. Als Künstlerin sieht sie sich als Zeugin ihrer Zeit- subjektiv, wertend, reflektierend und stets neugierig.

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Dieser feine Cocktail aus Volkstümlichem und Elementen des Jazz, Rock und Ska verspricht einen unterhaltsamen und vor allem tanzbaren Abend.

Matakustix
Wenn Alpenländisches auf Modernes, bzw. Beatbox auf Volksmusik trifft, ist „Matakustix“ am Werk.
Der Begriff „Matakustix“ ist ein Wortspiel aus dem Vornamen „Matthias“ und „Akustisch“.
Der Kärntner Matthias Ortner gründete die Band 2012 und mit Christian Wrulich am Akkordeon und Michael Kraxner auf der Trompete ist sein Team komplett.
Ihr eigens kreierter Stil setzt auf eine Vermischung des Modernen mit typisch Österreichischer Musik. Im Dialekt gesungene Lieder ergeben mit englischen Texten und Beatbox einen ganz eigenen Mix, der sich keinem Genre eindeutig zuordnen lässt und als „Alternative Volksmusik“ bezeichnet werden kann. Im Mittelpunkt steht dabei immer die Musik, die ohne Playback oder technische Spielereien auskommt.
Bekannt wurde die Band durch das Lied „Easy in die Berg“, welches auf Youtube extrem positiv aufgenommen wurde.
Mit Hits wie „Es gheat anfoch mehr gschmust“ und „Topf und Deckl“ begeistern sie ihre Fans. Gute Laune und der Wechsel zwischen dem Traditionellen und dem Englischen versprüht Lebensfreude. Es geht um Musik die aus dem Herzen kommt und so wohl noch nicht gehört wurde.

Gewürztraminer
Liebe Gewürzenthusiastinnen und Usiasten,
Bevor wir uns auf den Festivalsommer stürzen, gibts noch einen Nachgeschmack vom letzten Jahr mit der Hausdetschn in Videoform und eine frische Homepage.
Wir haben bereits einige Nummern fürs neu Album eintraminert und proben wie die Weltmeister. Kommt mal vorbei und trinkt einen Kelch mit uns, zum Beispiel in Gammelsdorf oder in Kißlegg beim La Brassbanda Support. Dann gehts gleich weiter in Freising beim Uferlos, dann Dresden in St. Pischen und gipfelt beim ZOA Festival im Ardagger Stift in Oberösterreich!
Im Juni supporten wir außerdem die gnadenlose Balkan Brass Band Fanfare Ciocarlia in der Szene Wien!
Dickes Gewürzbussi!

Heischneida
Vor zwei Jahren tauchte die Bergener Band Heischneida wie aus dem Nichts auf und ist seither aus der Südbayerischen Musikszene nicht mehr wegzudenken. Die beachtliche Liste ihrer Auftrittsorte reicht von der kleinsten Dorfboazn über den, sonst oft nur dem FC Bayern vorbehaltenen, Münchner Marienplatz, bis hin zur Festivalbühne des Chiemsee Summers.

Ermäßigt VVK € 25,- (OÖNcard)
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